Les guitaristes de jazz – TOP 25

Django Reinhardt, né en 1910 et décédé en 1953, a marqué l’histoire du jazz de manière indélébile grâce à son génie musical et à sa virtuosité à la guitare. D’origine belge et tzigane, Reinhardt a inventé un style unique appelé « jazz manouche »,fusionnant les influences du jazz américain avec la tradition musicale gitane.

Sa vie tumultueuse a été marquée par des débuts modestes dans les banlieues parisiennes, où il a appris à jouer de la guitare dès son plus jeune âge. Malgré un accident tragique qui a failli lui coûter la vie et lui a laissé une paralysie partielle de deux doigts de la main gauche, Reinhardt a surmonté ces obstacles avec détermination et a développé une nouvelle technique de jeu qui lui permettait de jouer avec seulement deux doigts à la main gauche. Cette adversité a contribué à forger son style distinctif et son approche novatrice de la guitare où le manche est parcouru de manière horizontale.

Reinhardt a atteint la renommée internationale dans les années 1930 en tant que membre du Quintette du Hot Club de France, aux côtés du violoniste Stéphane Grappelli. Leur collaboration a produit certains des enregistrements les plus emblématiques du jazz, caractérisés par l’énergie contagieuse et la virtuosité technique de Reinhardt.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Reinhardt a continué à jouer malgré les défis de l’occupation nazie en France. Après la guerre, il a brièvement séjourné aux États-Unis, où il a été accueilli avec enthousiasme par la communauté jazz américaine.

L’héritage musical de Django Reinhardt est immense. Il a été salué pour avoir révolutionné le rôle de la guitare dans le jazz, en la propulsant du simple accompagnement rythmique à un instrument soliste virtuose. Son style de jeu innovant, caractérisé par des lignes mélodiques rapides et des improvisations audacieuses, a inspiré des générations de guitaristes jazz.

Django Reinhardt continue d’être célébré comme l’un des plus grands guitaristes de jazz de l’Histoire. Son influence est toujours forte dans le monde entier, et sa musique reste une source d’inspiration pour les musiciens de jazz et spécifiquement chez les musiciens manouches. Chaque année, les musiciens se retrouvent lors du festival de Samois-sur-Seine pour célébrer sa mémoire.

Charlie Christian (1916-1942) a révolutionné le jazz en devenant la première figure majeure de la guitare jazz, grâce à l’introduction et à l’utilisation de la guitare électrique. Originaire de Dallas, il a été élevé à Oklahoma City, imprégné de l’atmosphère musicale du blues. Dès son plus jeune âge, il a été initié à la musique par son père, participant à un quartet familial itinérant.

Dans les années 1930, Charlie Christian s’est fait remarquer par son talent exceptionnel à la guitare, notamment à Kansas City, où il a impressionné les musiciens locaux par sa maîtrise de la guitare électrique. Il a été l’un des premiers à explorer toutes les possibilités offertes par cet instrument émergent, lui conférant une puissance et une tenue des notes comparables à celles des instruments à vent.

En 1939, Benny Goodman l’engagea, propulsant Christian sur le devant de la scène musicale. Sa carrière prit alors une trajectoire fulgurante, mais sa célébrité ne l’immunisa pas contre les discriminations raciales de l’époque. À New York, il fut contraint de vivre à Harlem en raison de sa couleur de peau. Malgré ces obstacles, Christian devint une véritable star de l’orchestre de Goodman.

Charlie Christian a également joué un rôle essentiel dans l’émergence du bebop, fréquentant assidûment les jam sessions au Minton’s Play House aux côtés de musiciens comme Dizzy Gillespie et Thelonious Monk. Son style de jeu innovant, caractérisé par de longues phrases mélodiques aux racines blues, a indiqué la voie à suivre pour le bebop naissant.

Malheureusement, la carrière fulgurante de Charlie Christian a été interrompue tragiquement par sa mort prématurée en 1942, des suites d’une pneumonie. En l’espace de quelques années seulement, il a bouleversé le monde du jazz, libérant les guitaristes des contraintes du jeu rythmique et ouvrant de nouvelles perspectives musicales avec l’utilisation de la guitare électrique.

L’héritage de Charlie Christian est immense. Son influence a été cruciale pour populariser la guitare électrique dans le jazz et pour façonner les fondements du bebop. Sa technique novatrice et son approche mélodique ont inspiré de nombreux guitaristes à travers les générations, même si son insistance sur l’aspect linéaire du jeu a parfois été critiquée. En fin de compte, Charlie Christian reste une figure emblématique du jazz, dont l’impact sur la musique moderne est indéniable.

Wes Montgomery (1925-1968) a marqué l’histoire du jazz en tant que l’un des guitaristes les plus emblématiques et influents. Ses débuts modestes à Indianapolis, où il menait une vie de famille tout en travaillant dans une usine et en jouant la nuit dans des clubs, contrastaient avec le talent prodigieux qu’il a rapidement développé.

Inspiré par Charlie Christian, Montgomery a adopté une technique unique en jouant de la guitare avec son pouce, une approche qui lui a valu un son distinctif et chaleureux. Cette méthode, combinée à sa capacité à jouer des lignes mélodiques dans différents registres simultanément, a contribué à forger son style singulier.

Grâce à l’insistance de Cannonball Adderley, Montgomery a finalement attiré l’attention des producteurs de disques, ce qui a conduit à ses premiers enregistrements avec Riverside Records en 1959. Ses albums, comme « Boss Guitar » et « Round Midnight », ont rapidement attiré les éloges des critiques et du public pour son jeu innovant et expressif.

Malgré son ascension fulgurante et son succès croissant, Montgomery est resté humble et dévoué à sa famille, une qualité qui a inspiré respect et admiration. Son déménagement sur la côte ouest a élargi sa portée et a consolidé sa réputation en tant que l’un des guitaristes les plus recherchés dans le monde du jazz.

Montgomery a continué à repousser les limites de son art, explorant de nouveaux horizons musicaux tout en conservant son essence jazz. Son album « The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery » est souvent considéré comme un chef-d’œuvre, mettant en valeur son talent de compositeur et son jeu virtuose.

Vers la fin de sa carrière, Montgomery a élargi son répertoire pour inclure des éléments de musique populaire, ce qui lui a valu une reconnaissance encore plus large et des prix prestigieux, dont un Grammy Award. Malheureusement, sa carrière a été interrompue brutalement par une attaque cardiaque en 1968, mettant fin prématurément à la vie d’un géant du jazz.

L’héritage de Wes Montgomery perdure dans son influence sur les générations de guitaristes qui ont suivi, de George Benson à Pat Metheny. Sa musique continue à captiver les auditeurs du monde entier, rappelant la virtuosité et l’innovation d’un artiste qui a transcendé les frontières du jazz.

Jim Hall est né 4 décembre 1930 à Buffalo dans l’état de New York. Après ses études à Cleveland, Jim Hall part pour Los Angeles. Avec Vincente Gómez, il étudie la guitare classique et commence à s’y faire connaître à la fin des années 1950. En 1955 et 1956 il joue avec le quintette de Chico Hamilton, batteur de la Côte Ouest constitué d’une instrumentation inhabituelle pour l’époque : violoncelle, flûte, guitare, basse et batterie. Après son engagement avec Hamilton il rejoignit le trio expérimental du saxophoniste/clarinettiste Jimmy Giuffre qui présentait lui aussi une instrumentation nouvelle : sax, guitare, basse de 1956 à 1959.
En 1960, Jim Hall s’installe à New York. Il entame alors une série de collaborations avec nombre de musiciens très réputés. Par l’intermédiaire du producteur Norman Granz il accompagne Ella Fitzgerald en 1960-1961. Ils réalisent ensemble une tournée en Amérique du sud, jouant près de trois semaines à Rio de Janeiro puis descendent vers le sud en passant par São Paulo, Montevideo et Buenos Aires. Cette tournée permet à Hall de découvrir Astor Piazzola et de nouveaux sons avec le tango ou encore la bossa nova qui émerge à cette époque.

Grant Green (1935-1979) reste l’une des figures les plus influentes du jazz des années 1960 et 1970, marquant son époque par un style unique et une approche musicale novatrice. Né à Saint-Louis, Missouri, Green a commencé sa carrière de guitariste professionnel à un jeune âge, baignant dans l’influence du gospel et des grands noms du jazz tels que Charlie Christian, Charlie Parker et Jimmy Raney.

Son style distinctif, caractérisé par l’utilisation principalement de notes uniques et des accords minimalistes, reflétait son profond respect pour Charlie Parker. Green était réputé pour sa capacité à jouer des solos élaborés et mélodiques tout en maintenant une efficacité rythmique remarquable.

Sous la tutelle de Lou Donaldson, Green a fait ses débuts à New York et a rapidement attiré l’attention d’Alfred Lion de Blue Note Records. Malgré un début timide en studio, Green a rapidement gagné en confiance et a enregistré plusieurs albums acclamés, dont « First Grant Stand » et « Green Street ». Sa collaboration fructueuse avec Blue Note a duré jusqu’au milieu des années 1960, où il a été l’un des artistes les plus enregistrés du label.

Green a exploré divers styles musicaux tout au long de sa carrière, y compris le gospel, la musique latine et la musique spirituelle, tout en restant profondément enraciné dans le blues. Ses enregistrements, tels que « Idle Moments » et « Solid », sont souvent cités comme des exemples de son génie artistique et de sa virtuosité.

Malheureusement, des problèmes personnels et des luttes contre la toxicomanie ont entravé sa carrière à la fin des années 1960. Malgré cela, Green est revenu sur la scène avec un nouveau groupe influencé par le funk, enregistrant des albums à succès tels que « Green Is Beautiful » et la bande originale du film « The Final Comedown ».

Son jeu innovant et son son distinctif ont continué à influencer les générations de musiciens après lui, du jazz-funk à l’acid jazz, et ses enregistrements ont été samplés par de nombreux artistes de hip-hop. Malheureusement, sa vie a été interrompue prématurément par une crise cardiaque en 1979, laissant derrière lui un héritage musical durable et une réputation grandissante dans le monde du jazz.

Joe Pass, de son vrai nom Joseph Antony Jacobi Passalaqua, était un guitariste de jazz américain d’ascendance sicilienne, né le 13 janvier 1929 à New Brunswick, dans le New Jersey, et décédé le 23 mai 1994 à Los Angeles, en Californie. Il était le premier guitariste de jazz à se produire seul sur scène, mêlant à la fois accords et solos de guitare.

Pass a commencé à jouer de la guitare à un jeune âge, encouragé par son père qui lui a offert sa première guitare pour son neuvième anniversaire. Influencé par des artistes tels que Django Reinhardt, Charlie Christian et Wes Montgomery, il a rapidement développé ses compétences musicales.

Dans les années 1940, il s’est rendu à New York pour étudier auprès du guitariste renommé Harry Volpe, mais a préféré se produire dans des clubs locaux plutôt que de suivre des leçons formelles. Pendant cette période, il a côtoyé de grands noms du jazz, comme Dizzy Gillespie, Charlie Parker et Miles Davis.

Cependant, Pass est tombé dans la drogue et a connu une période d’errance, marquée par des arrestations et une condamnation à cinq ans de prison. Après avoir lutté contre son addiction, il a trouvé refuge au centre de désintoxication Synanon à Santa Monica, en Californie, où il a enregistré son premier album, « Sounds of Synanon », en 1961.

Le tournant de sa carrière est venu avec la sortie de l’album « The Trio » en 1973, enregistré avec Oscar Peterson et Niels-Henning Ørsted Pedersen, qui a remporté un Grammy Award. Par la suite, il a enregistré de nombreux albums à succès pour le label Pablo Records, collaborant avec des artistes tels que Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, et Milt Jackson.

Pass était réputé pour son style de jeu en fingerpicking, combinant une basse marquée jouée avec le pouce, des accords harmoniques et des passages mélodiques complexes. Il était également connu pour ses performances en solo, où il jouait des morceaux complexes sans aucun accompagnement.

Sur le plan matériel, Pass était associé à plusieurs marques de guitare au fil de sa carrière, notamment Fender, Gibson, Ibanez et Epiphone. Sa guitare emblématique était la Gibson ES-175, avec laquelle il a enregistré de nombreux albums et qui est devenue indissociable de son image de musicien de jazz.

Malgré des problèmes de santé, notamment un cancer du foie diagnostiqué en 1992, Joe Pass a continué à enregistrer et à se produire jusqu’à sa mort en 1994. Il a laissé un héritage musical durable et est considéré comme l’un des plus grands guitaristes de jazz de tous les temps.

Kenny Burrell, fils de William Henry et d’Elizabeth (Day) Burrell, tous deux musiciens, a été initié à la musique dès son jeune âge par ses parents.

Il a commencé à apprendre la guitare à l’âge de douze ans et a poursuivi ses études à la Wayne State University, où il a obtenu un Bachelor of Music.

Sa carrière a débuté dans les années 1950, et depuis lors, il a joué avec une multitude de grands noms du jazz tels que Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Benny Goodman, Jimmy Smith, John Coltrane, Stan Getz, Gil Evans et Chet Baker. Au cours de sa carrière, il a enregistré plus d’une centaine d’albums.

En plus de sa carrière d’interprète, Kenny Burrell enseigne l’histoire du jazz à l’université de Californie à Los Angeles depuis 1978.

Son style de jeu se distingue par sa fluidité, sa maîtrise de l’harmonie et sa capacité à revitaliser le blues pour l’incorporer dans le jazz moderne.

George Benson, né le 22 mars 1943 à Pittsburgh, Pennsylvanie, est un artiste américain polyvalent, actif en tant que guitariste, chanteur et compositeur. George Washington Benson a grandi dans le quartier du Hill District à Pittsburgh, où il a commencé à explorer la musique dès son plus jeune âge. À sept ans, il se produit pour la première fois avec un ukulélé, puis passe à la guitare à huit ans. Sa précocité musicale est rapidement remarquée, et à neuf ans, il enregistre son premier single sous le pseudonyme de « Little George Benson », grâce à son père, Carmen Azzara, qui l’a initié à la musique.

Il a fréquenté le lycée Schenley à Pittsburgh, où il a obtenu son diplôme. Durant son adolescence, il s’est immergé dans le jazz straight-ahead en collaborant avec des musiciens locaux, dont l’organiste soul Jack McDuff. Ses premières influences comprennent des guitaristes éminents comme Hank Garland.

À l’âge de 21 ans, Benson sort son premier album solo, « The New Boss Guitar of George Benson », accompagné par le quartette de Jack McDuff. Par la suite, il enregistre plusieurs albums marquants, dont « It’s Uptown » (1966) et « The George Benson Cookbook » (1967). Sa rencontre avec Miles Davis lui ouvre de nouvelles opportunités, notamment en contribuant à l’album « Miles in the Sky » en 1968.

C’est dans les années 1970 que la carrière de Benson prend son envol, notamment avec l’album « Breezin' », qui remporte plusieurs Grammy Awards. Son style mélange jazz et funk, avec des improvisations vocales et instrumentales. Il participe également à des collaborations avec des artistes renommés tels que Minnie Riperton et Stevie Wonder.

Parmi ses succès notables figurent des morceaux comme « On Broadway » et « Give Me the Night », qui le propulsent sur la scène internationale. Benson reste actif dans l’industrie musicale, collaborant avec divers artistes et sortant de nouveaux albums, tout en continuant à se produire en concert à travers le monde.

Sa contribution à la musique lui a valu une reconnaissance mondiale, et son héritage perdure grâce à son influence sur de nombreux artistes contemporains.

Derek Bailey, né le 29 janvier 1930 à Sheffield et décédé le 25 décembre 2005 à Londres, était un musicien, improvisateur, compositeur et théoricien britannique, reconnu comme l’un des pionniers de l’improvisation libre.

Au cours des années 1970, Derek Bailey a expérimenté l’utilisation de guitares préparées, telles que l’ajout de trombones sur les cordes ou l’installation de cordes supplémentaires sur la guitare. Cependant, il abandonne progressivement cette approche à la fin de cette décennie.

En tant qu’auteur, il a également contribué à une monographie sur l’improvisation en musique, explorant les aspects théoriques et pratiques de cette forme d’expression artistique.

Bailey a collaboré avec de nombreux artistes de renom, notamment Steve Lacy, Evan Parker, Cyro Baptista, Anthony Braxton, John Zorn, Tony Oxley et Thurston Moore, marquant ainsi de son empreinte divers courants musicaux.

Son style musical était caractérisé par une approche singulière, souvent perçue comme complexe pour les auditeurs peu familiers avec les musiques expérimentales. Sa musique se distinguait par son aspect discontinu, dissonant et peu mélodique, où les notes étaient souvent séparées par de larges intervalles et jouées de différentes manières, explorant les possibilités offertes par les cordes de la guitare, y compris les cordes à vide, les cordes frettées et les harmoniques.

Derek Bailey a également développé une distinction entre les musiques « idiomatiques », telles que le classique, le jazz et les musiques populaires, qui suivent des conventions établies, et les musiques « non-idiomatiques », qui rejettent ces conventions pour une approche plus libre et improvisée.

John McLaughlin est un guitariste de jazz anglais né le 4 janvier 1942 à Doncaster, dans le Yorkshire. Sa carrière musicale débute avec des formations de rhythm and blues aux côtés d’artistes comme Duffy Power, Graham Bond et Georgie Fame. McLaughlin se distingue rapidement comme musicien de studio, travaillant même avec des artistes de renom tels que David Bowie et les Rolling Stones.

Pat Metheny est né le 12 août 1954 à Lee Summit dans le Missouri, une banlieue sud est de Kansas City. À 15 ans, il gagne une bourse de Down Beat dans un camp de jazz d’une semaine et est pris sous l’aile du guitariste Attila Zoller. Après ses études à Lee Summit High School, Metheny se rend brièvement à l’ Université de Miami à Coral Gables en Floride en 1972, où on lui offre rapidement un poste d’enseignant.  Gary Burton le découvre et il entre à tout juste 19 ans au célèbre Berklee College of Music où il enseigne dès l’année suivante.

Son premier enregistrement a lieu sur l’album Jaco (1974) de Jaco Pastorius, avec Paul Bley et Bruce Ditmas. Metheny est entré dans la scène jazz en 1975 quand il a rejoint le groupe de Burton, où il a joué aux côtés du guitariste de jazz résident Mick Goodrick . L’ élan musical de Metheny l’amena rapidement à enregistrer son premier album, Bright Size Life, avec Pastorius et le batteur Bob Moses.

L’enregistrement suivant de Metheny, de 1977 Aquarelles, a été le premier à présenter le pianiste Lyle Mays, collaborateur le plus fréquent de Metheny. Les autres musiciens sur cette session étaient Eberhard Weber à la contrebasse et Danny Gottlieb à la batterie. L’ album suivant de Metheny a conforté son partenariat avec Mays en créant le Pat Metheny Group, mettant en vedette plusieurs chansons qu’ils ont co-écrit ; l’album est sorti comme éponyme Pat Metheny Group sur le label ECM. Metheny a également publié en solo, trio, quatuor et duo enregistrements avec des musiciens tels que Jim Hall, Dave Holland, Roy Haynes, Toninho Horta, Burton, Chick Corea, Pedro Aznar, Jaco Pastorius, Charlie Haden, John Scofield, Jack DeJohnette, Herbie Hancock, Bill Stewart, Ornette Coleman, Brad Mehldau, Joni Mitchell, Milton Nascimento, Santana, Dominic Miller, Michael Brecker, Trilok Gurtu et bien d’ autres. Metheny part en tournée depuis plus de 30 ans, en jouant entre 120 et 240 concerts par an. 

Le Pat Metheny Group est un groupe qui a été fondé en 1977 autour du binôme Metheny/ Mays. À partir de 1981, le noyau s’établit autour de Metheny, Mays et Steve Rodby qui sont tous coproducteurs du groupe.

On retrouve dans la musique du Pat Metheny group de nombreuses influences : le jazz, le folk, le rock, la musique country, la musique brésilienne, et plus particulièrement celle de Milton Nascimento), la musique classique (en particulier les compositeurs impressionnistes).

Les morceaux du Pat Metheny group sont toujours cosignés par Metheny et Mays. La plupart du temps, Pat Metheny écrit la trame mélodique et harmonique tandis que Mays réalise l’arrangement final.

Si le duo Metheny/Mays reste inchangée, le personnel du groupe a souvent évolué avec de nouveau musiciens. On a pu y entendre : 

guitare basse et/ou contrebasse : Mark Egan , Steve Rodby  batterie : Danny Gottlieb, Paul Wertico , Antonio Sanchez! Percussions : Naná Vasconcelos, Armando Marcal Trompette, voix, percussions : Cuong Vu, Harmonica, percussions : Gregoire Maret. Ainsi que Pedro Aznar, Mark Ledford , David Blamires , Richard Bona, Nando Lauria, Philip Hamilton, Dave Holland,Roy Haynes aux voix, percussions, guitare, basse et autres instruments.

On notera que la plupart des musiciens sont poly-instrumentistes, ce qui permet à Metheny et Mays d’écrire des morceaux aux instrumentations variées et aux arrangements souvent complexes. 

Metheny lui-même joue de différents types de guitares : guitares acoustiques 6 ou 12 cordes, guitare Pikasso (une guitare à 42 cordes construite pour Metheny par Linda Manzer), guitares électriques, guitare-synthé (pour piloter via protocole MIDI un synclavier).

De son côte, Lyle Mays, en plus du piano et des synthétiseurs, a parfois aussi joué au sein du groupe de la trompette, de l’autoharpe, de la guitare et de l’accordéon. 

Albert Laurence Di Meola, né le 22 juillet 1954 à Jersey City, New Jersey (États-Unis), est un guitariste américain de jazz fusion, reconnu pour sa technique avancée et la discipline de son jeu. Il est très connu pour sa technique en aller/retour au médiator très véloce.

Al Di Meola entreprend sa formation musicale au Berklee College of Music à Boston dans le Massachusetts en 1971. En 1974, il rejoint Return to Forever, le groupe de Chick Corea, remplaçant Bill Connors. Avec le groupe, il enregistre trois albums studio avant de se lancer dans une carrière solo.

Dans les années 1970, Di Meola collabore avec Stomu Yamashta et son groupe Go, où il joue avec des musiciens tels que Steve Winwood, Klaus Schulze et Pat Thrall. Il élargit son exploration musicale en se tournant vers la musique latine, illustrée dans des albums comme « Casino » (1978) et « Splendido Hotel » (1980).

Son travail avec John McLaughlin et Paco de Lucía dans l’album live « Friday Night in San Francisco » souligne son intérêt pour les cultures méditerranéennes et les genres acoustiques, comme le flamenco.

Au fil des décennies, Di Meola élargit son répertoire, explorant des styles allant de la world music au latin moderne. Son jeu virtuose et ses compositions complexes ont influencé de nombreux guitaristes de jazz et de rock.

Reconnu à plusieurs reprises comme meilleur guitariste de jazz par les lecteurs de Guitar Player Magazine, Di Meola continue de se produire en solo et en collaboration avec d’autres artistes renommés, marquant ainsi de manière indélébile l’histoire de la guitare électrique jazz.

John Scofield, né le 26 décembre 1951 à Dayton (Ohio), est un guitariste de jazz et compositeur américain. Élevé dans le Connecticut, il s’initie à la guitare à l’âge de 11 ans, découvrant rapidement des artistes tels que Pat Martino, Jim Hall et Wes Montgomery qui influenceront son style futur, un mélange de jazz et de rock.

Biréli Lagrène, né le 4 septembre 1966 à Soufflenheim en Alsace dans une famille d’origine manouche, est un guitariste de jazz français de renom.

Dès son plus jeune âge, Lagrène s’immerge dans la musique grâce à son père, Fiso Lagrène, lui-même guitariste reconnu des années 1930, et son frère. Influencé par le swing gitan de Django Reinhardt, Lagrène devient rapidement un prodige de la guitare. À seulement quatorze ans, il remporte le premier prix du festival de musique tzigane de Strasbourg. Sa rencontre fortuite avec Stéphane Grappelli en 1979, suivie d’une performance impromptue sur scène avec le légendaire violoniste, marque le début d’une carrière prometteuse.

Sylvain Luc, né le 7 avril 1965 à Bayonne, est un guitariste français de jazz réputé pour son expertise technique et son talent remarquable. Dès l’âge de quatre ans, il commence à jouer de la guitare, puis explore le violoncelle au conservatoire régional de Bayonne. Au début des années 1980, il fait partie du Bulle Quintet, un groupe de jazz progressif qui remporte le festival de Jazz de San Sebastian en 1982. Après avoir déménagé à Paris, Luc devient un arrangeur, compositeur et accompagnateur recherché dans le monde de la variété, tout en maintenant sa présence dans le jazz en jouant notamment avec le trio de Richard Galliano et aux côtés d’Éric Le Lann.

Gilad Hekselman né en 1983 est l’une des voix les plus influentes de la guitare jazz. Né en Israël et basé à New York, il tourne dans le monde entier en tant que leader de groupe et a partagé la scène avec certains des plus grands artistes de jazz, dont Chris Potter, Eric Harland, Fred Hersch, Mark Turner, Anat Cohen, Ari Hoenig, Esperanza Spalding, Jeff Ballard, Ben Wendel, Gretchen Parlato, Ben Williams, Avishai Cohen, Tigran Hamasyan, Aaron Parks et Becca Stevens, entre autres.

Jonathan Kreisberg, né en 1974 est un guitariste et compositeur de jazz émergent, reconnu pour son mélange captivant de mélodies intemporelles et de lignes novatrices. Né à New York, son immersion précoce dans la musique a façonné son parcours. Dès l’âge de dix ans, il s’initie à la guitare, puis poursuit ses études à la New World School of the Arts de Miami. Son talent exceptionnel lui vaut des mentions dans des publications renommées telles que Guitar Player et DownBeat, alors qu’il n’est encore qu’un adolescent. Grâce à une bourse, il intègre l’Université de Miami, où il côtoie des légendes du jazz comme Joe Henderson et Michael Brecker.